Gamificación

 

De oca a oca y tiro porque me toca.

De puente a puente y tiro porque me lleva la corriente.

GRABADO Y PAUL KLEE

Paul Klee (1879-1940) fue un pintor alemán expresionista y abstracto nacido en Suiza.

Estudió en la Academia de Bellas Artes de Múnich.

En 1912, Vasili Kandinski y Franz Marc fundaron en Múnich un grupo artístico expresionista: Der Blaue Reiter (EL JINETE AZUL). Paul Klee era muy amigo de ellos y participó en sus exposiciones. Todos compartían un interés por el arte gótico y primitivo y por los movimientos modernos del fovismo y el cubismo. 

Después ser soldado en la Primera Guerra Mundial, por ser alemán, Klee enseñó en la Escuela de la Bauhaus junto a Kandinsky, y a partir de 1931, en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, antes de ser denunciado por los nazis por producir «arte degenerado». En sus clases, relacionaba aspectos espirituales del ser humano y la naturaleza a ciertas teorías de la forma, el color y la composición en las artes visuales.

En 1933 fue expulsado de la enseñanza por el régimen nazi​y regresó a Berna, donde realizó una gran exposición en la Kunsthalle (1935). En 1936 le diagnosticaron una enfermedad degenerativa. En 1940 fue internado en una clínica de Muralto-Locarno, donde falleció el 29 de junio de ese año.

 Senecio, Paul Klee, 1922.

Castillo y Sol, Paul Klee, 1928.

Los viajes de Túnez y Rávena de 1926 influyeron en esta obra que muestra todas las características del artista: simplificación, la geometría como módulo, la investigación del color, la composición caleidoscópica y sobre todo ese tema del «cuadro dentro del cuadro» (el doble borde en tres lados de la composición…).

Se dice que, en su mayor parte, Paul Klee pintó este cuadro con la mano izquierda, pese a ser diestro. Este experimento disparó su creatividad. 

«Castillo y Sol» es expresionismo, pero aquí se roza la abstracción, por muy figurativo que sea pintar un paisaje. Y además con muchos colores cálidos: ¡el sol parece que quema! 

Fuentes:

https://historia-arte.com/obras/castillo-y-sol-de-klee

https://es.wikipedia.org/wiki/Paul_Klee

En clase vamos a hacer nuestro particular paisaje imaginario de castillo y sol con sellos de goma eva como iniciación al grabado de relieve. 

MATERIAL: 

· TIJERAS Y PEGAMENTO DE BARRA O SILICONA

· 1 PÁGINA DE GOMA EVA DE A4

· CARTÓN GRUESO RECICLADO

· TÉMPERAS

· CARTULINA O PAPEL DE ACUARELA A3 (BASIK)

· LÁPICES, ROTULADORES, CERAS DURAS Y REGLA 

Pasos a seguir:

1. Hacer los sellos.

· Recortar en goma eva diferentes triángulos cuadrados rectángulos y círculos.

· Pegarlos con silicona o pegamento de barra sobre piezas individuales de cartón.

2. Hacer el grabado.

· Ir aplicando témpera en cada pieza y  estampándola en la cartulina dando forma al castillo. De una en una.

Puedes hacer el castillo en colores cálidos si quieres que sea de día o en colores fríos si quieres que sea de noche y se convierta en El castillo y la Luna.

No copies el cuadro de Klee. Nos inspiramos en su idea para crear nuestra imagen.

3. Dibujo.

Una vez terminado el estampado con una regla puedes repasar las líneas del dibujo con lápices, ceras duras o rotuladores

FLIPBOOK O FOLIOSCOPIO

Un folioscopio o flip book  en inglés es un libro que contiene una serie de imágenes que varían gradualmente de una página a la siguiente, para que, cuando las páginas se pasen rápidamente, las imágenes parezcan animarse.

EJEMPLO 1

EJEMPLO 2

EJEMPLO 3

EJEMPLO 4

EJEMPLO 5

En clase vamos a realizar flipbooks con blocks de notas adhesivas o postits.

La primavera.

Alegoría de la primavera , más conocido como La primavera, es un cuadro realizado por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. 

Está realizado al temple sobre tabla y mide 203 cm de alto por 314 cm de ancho. 

Fue realizado entre 1477 y 1482. 

Podemos verla en la Galería Uffizi, en Florencia.

Personajes que aparecen:

Aunque existen diversas interpretaciones, la mayoría de expertos concuerdan con que 

· VENUS: la figura central , la diosa del amor (Afrodita en la mitología griega), vestida con túnica blanca y un manto rojo, que levanta su brazo derecho en señal de salutación y de invitación a su jardín.​ 

· CÉFIRO, CLORIS Y FLORA: Aparecen a la derecha del cuadro. Céfiro era el dios del viento del oeste. Aparece raptando a la ninfa Cloris, vestida con una túnica transparente; Cuenta la mitología que Céfiro se enamora de la ninfa y la convierte en su esposa. En ese momento ella  se convierte en Flora, la diosa de las flores y los jardines. Es la figura que aparece junto a Venus, vestida con un traje decorado con flores; en sus manos sostiene un cesto de flores que va esparciendo por el suelo. El instante de la transformación está simbolizado por el ramo de flores que surge de la boca de Cloris. 

· CUPIDO: Aparece sobre Venus (Eros en la mitología griega) y dirige su flecha hacia las tres figuras que danzan. 

· LAS TRES GRACIAS: diosas del encanto, la belleza y la fertilidad: Castitas, Voluptas y Pulchritudo (Aglaya, Eufrósine y Talía en la mitología griega), que representan, respectivamente, la castidad, la voluptuosidad y la belleza.​ 

· MERCURIO: En el costado izquierdo aparece vestido con una capa roja decorada con llamas, con casco y daga y con sus típicas botas aladas; con el brazo derecho sostiene un caduceo (Vara delgada, lisa y cilíndrica, rodeada de dos culebras, atributo del dios romano Mercurio y empleada hoy como símbolo del comercio.) en este caso, una versión con dos dragones alados, con el que ahuyenta unas nubes. Como dios de la razón, Mercurio dirige la mentalidad humana hacia la divinidad. La interpretación más verosímil es la que señala el circuito del amor de lo material a lo espiritual: el amor llega como pasión con la figura de Céfiro y se convierte en contemplación con Mercurio.

Cabe señalar que Cupido era hijo de Venus y Mercurio, y los tres personajes comparten un elemento, el de las llamas del amor, que aparece en la flecha de Cupido, en el escote del vestido de Venus y en la túnica de Mercurio. 

En LAENR vamos a celebrar la primavera realizando una interpretación de la obra entre todas.

 

Land art

 El land art, earth art o earthworks, arte de la Tierra, arte ambiental u obras de tierra, es un tipo de arte contemporáneo que utiliza la naturaleza como material (madera, tierra, piedras, arena, viento, rocas, fuego, agua, etc.) para intervenir en sí misma. La obra generada parece un cruce entre escultura y arquitectura, o arquitectura de paisaje, cada vez más importante en el espacio público contemporáneo.

Obra de Robert Smithson

Las obras suelen estar en el exterior, expuestas a los cambios y a la erosión del entorno natural. Algunas han desaparecido, quedando sólo el registro fotográfico/fílmico. 

Obra de Christo y Jeanne- Claude 

El objetivo principal del land art es alterar, con un sentido artístico, el paisaje, para producir el máximo de efectos y sensaciones al observador. Se pretende reflejar la relación entre los humanos y la Tierra, el medio ambiente y el mundo, expresando al mismo tiempo el dolor, debido al deterioro ambiental del clima que existe hoy en día. Lo principal es la interacción del humano-artista con el medio ambiente.

Bosque de Oma, Bizkaia.

Más info del bosque de Oma

En clase vamos a diseñar por grupos qué tipo de instalación podríamos realizar en el patio del instituto. Para ello haremos lluvia de ideas, bocetos, pensaremos en los materiales necesarios, etc. Y después haremos un reportaje fotográfico sobre las obras realizadas.

Fíbulas de Alovera.

Las fíbulas, eran broches utilizados desde el primer milenio a. C. para sujetar la ropa a la altura de los hombro, cuando aún no había botones, en culturas como la celtíbera en Hispania. 

Entre las fíbulas encontradas en España, las de Alovera (Guadalajara) destacan por su diseño y compleja elaboración. Mientras los celtíberos solían representar al caballo, los godos adoptaron la forma de águila, símbolo de poder y prestigio. Sólo se han encontrado cinco ejemplos similares en toda España. 

Las fíbulas visigodas de Alovera, están realizadas en bronce dorado y embellecidas con pasta vítrea coloreada o gemas. La técnica utilizada, el cloisonné o esmalte en frío, consistía en crear pequeñas celdillas metálicas rellenadas con vidrio coloreado o piedras preciosas, consiguiendo un efecto visual lujoso.

Las dos fíbulas están actualmente en el Museo Arqueológico Nacional (MAN).

En clase de Proyectos de Artes Plásticas y Visuales de 1 de ESO, vamos a hacer vidrieras con cartulina negra y papel de celofán, inventando nuestras propias fíbulas inspiradas en las de Alovera. 

Además, en tercero de la ESO las integraremos en una vidriera con un polígono estrellado.

Fuentes: 

https://ceres.mcu.es

https://ceres.mcu.es/pages/Main?inventary=1975%2F49%2F13&museum=51

https://www.guadalajaradiario.es/publi/PSGu-LaF%C3%ADbuladeAlovera-OK.pdf

https://es.wikipedia.org/wiki/F%C3%ADbula_de_Alovera

https://paleomanias.com/es/home/430-plantilla-vidriera-fibula-visigoda-.html

Cámara oscura

La cámara oscura fue la primera versión de las cámaras fotográficas que usamos hoy en día. 

En latín significa cuarto oscuro. La primera versión de la cámara oscura consistía en un cuarto completamente oscuro con un pequeño agujero en una de las paredes. La luz externa pasaba a través de ese pequeño agujero y proyectaba una imagen del exterior sobre una pared blanca frente al agujero. La imagen se veía del revés.

El primer registro que existe del descubrimiento de una cámara oscura fue el del filósofo llamado Mo Ti en China en el siglo V antes de Cristo. Se dio cuenta de que cuando la luz pasaba a través de un agujero en un cuarto oscuro, producía una imagen exacta pero invertida de un objeto ubicado fuera del cuarto.

En el siglo IV a.C.  Aristóteles (384-322) también habló sobre este fenómeno. 

A finales del siglo X fue descrito por Hasan ibn al-Haytham, conocido en Occidente como Alhazen (Basora – actual Iraq – 965-1038). Su hallazgo se produjo en unas circunstancias muy curiosas: Alhazen afirmó que sería capaz de domar las aguas del Nilo con un sistema de diques y viajó a El Cairo reclamado por el Califa al-Hakim, el «Califa Loco». Tras estudiar los terrenos, Alhazen concluyó que no podría llevar a cabo el trabajo, enfadando al califa, que lo mandó encarcelar.

Durante su estancia en la prisión, Alhazen observó cómo, en medio de la oscuridad de su celda, un rayo de luz se colaba por un diminuto hueco, proyectando una imagen del mundo exterior sobre la pared opuesta. Acababa de descubrir el principio óptico por el que, posteriormente, funcionarían las Cámaras Oscuras. Además realizó una serie de experimentos con los que probó que la luz viajaba en línea recta y creaba imágenes cuando llega a nuestros ojos. También le sirvió para inventar la Cámara Estenopeica, e incluso hay quienes le acreditan el descubrimiento de las leyes de la refracción.

En la Edad Media, Roger Bacon continuó con los estudios de Alhazen en relación a la reflexión y refracción de la luz.

En el Renacimiento, Leonardo da Vinci impulsó el desarrollo de la cámara oscura utilizándola para profundizar en el funcionamiento de la visión y de la luz. Leonardo fue el primero en añadir una lente al orificio por donde entraba la luz, para obtener imágenes más nítidas. Da Vinci describió el aparato, realizó su propio diseño y explicó sus experimentos en varias láminas de su manuscrito conocido como Codex Atlánticus realizado entre 1478 a 1519. 

 Leonardo explicó el fenómeno en láminas manuscritas y experimentó cómo se alteraba la imagen proyectada dependiendo de la cantidad de luz que entraba a la cámara. Cambió  variables como el número de orificios, su grosor, o la intensidad lumínica que entraba por ellos. Así proyectó imágenes de distinta nitidez con colores perceptibles, lo que supuso un avance importante para la proyección en perspectiva en formatos planos.

La primera referencia impresa hablando de lentes la realizó Girolamo Cardano (1501-1576) en 1550, aunque fue el científico Giovanni Della Porta quien, ocho años más tarde, divulgó la noticia por todo el mundo.

En el siglo XVII, Robert Hooke (1653-1703) construyó cámaras oscuras intentando reproducir la forma curva de la retina con pantallas cóncavas de proyección en el fondo de la cámara. La intención era demostrar el mecanismo de la visión humana. En este siglo la cámara oscura también tuvo otros usos como amenizar las fiestas de los príncipes y saciar la curiosidad de cortesanos.

En 1685, Zahn publicó una obra donde recogía estos tipos de cámaras oscuras y explicaba el modelo que permaneció invariable hasta la invención de la fotografía en el siglo XIX.

En este modelo, un espejo inclinado refleja la imagen sobre un papel colocado sobre un cristal en la parte superior de la cámara. La lente situada en el otro extremo del tubo se desliza para enfocar a diferentes distancias.

En el siglo XVII, aparecen numerosos estudios que tratan de relacionar el uso de la cámara oscura con la pintura holandesa de este siglo, debido a su apariencia de realidad. Está documentado que los viajeros y dibujantes lo utilizaban a lo largo de los siglos XVIII y XIX hasta la aparición de la fotografía.

El siglo XVIII, es el más importante de la historia de la cámara oscura, tanto por las mejoras técnicas y nuevos modelos, como por su amplia difusión a través de gran número de publicaciones.

En el siglo XIX se generalizó la construcción de cámaras oscuras, y esto ayudó a la invención de la fotografía. Como anécdota, se sabe que, Nicéphore Niepce (1765-1833), inventor de la fotografía, compró una cámara oscura con lente de menisco en la óptica que los ingenieros Chevalier tenían en París.

Niepce fijó la primera imagen permanente en 1827, una imagen del patio de su casa. 

 Fuentes: 

https://virtualucrarts.ucr.edu/

https://torretavira.com/un-rayo-de-luz-en-la-oscuridad/

https://www.camaraoscuraworld.com/historia/

https://museovirtual.filmoteca.unam.mx/temas-cine/precursores-del-cine/leonardo-da-vinci/

Construyamos nuestra propia cámara oscura:

https://youtu.be/ZfzARQ4pfZU?si=gVL0cdui5cPtFsxa

Mosaico romano.

Un mosaico es una obra compuesta de piedrecitas, terracota o vidrios de varios colores o de madera. También llamamos mosaico a cualquier obra realizada con fracciones diversas.

Los mosaicos tienen un origen muy antiguo. Se han hallado mosaicos en Creta, Mesopotamia, y por supuesto en Grecia, Roma y el Imperio Bizantino, donde se combinó con la tradición oriental y dio lugar a mosaicos con grades cantidades de oro y se aplicaron los mosaicos a la arquitectura religiosa. 

De Bizancio, los mosaicos pasaron al mundo islámico. También existió una técnica especial de mosaico en la América Prehispánica.

Desde el Renacimiento se ha seguido desarrollando hasta la actualidad.

Los mosaicos romanos se basaban en los tapices y la pintura, pero eran mucho más duraderos por el material utilizado.

 Al principio, cuando el arte del mosaico empezó a desarrollarse en Roma, se hacía  para decorar los techos o las paredes y pocas veces los suelos porque se tenía miedo de que se estropeara. Pero más tarde, cuando perfeccionaron la técnica, descubrieron que se podía pisar y empezaron a realizar pavimentos de lujo. 

Las pequeñas piezas que formaban los mosaicos se llaman teselas, tenían forma más o menos cúbica y estaban hechas de rocas calcáreas o material de vidrio o cerámica, muy cuidadas y elaboradas y de distintos tamaños. Se ponían sobre la superficie, como un puzle, distribuyendo el color y la forma y aglomerándolas con una masa de cemento. 

Para hacer las teselas de mármol o de piedra de color, se cortaba el material en finas láminas, luego en tiras y después en cubos. Para obtener las teselas de vidrio fundido (que podía teñirse añadiéndole diferentes óxidos de metal) se vertía éste encima de una superficie lisa para que se enfriara y se endureciera.

 

Fuentes:

https://es.wikipedia.org/wiki/Mosaico_romano

https://www.arteguias.com/mosaicos.htm

En clase de Proyectos de Artes Visuales y Audiovisuales hemos querido hacer homenaje a Carmen Burgos de Seguí, que da nombre a nuestro centro y hemos hecho los murales de goma eva sobre su imagen.